FONTCUBERTA, JOAN (editor):

Estética Fotográfica.

Ed. Gustavo Gili. Barcelona, 2003.

textos de

MINOR WHITE

recogidos en el libro Estética Fotográfica

El ojo y la mente de la cámara (1952)

(…)Mientras crea, la mente del fotógrafo está en blanco. Debería añadir que esta condición solo se da en casos especiales, principalmente cuando se buscan imágenes. Mientras el fotógrafo está en esta condición, hay algo que le impide descaminarse, que le impide caer por las alcantarillas o incrustarse contra los parachoques de camiones detenidos. Para aquellos que comparen ese estar en blanco con alguna especie de vacío estático, debo explicar que es un estar en blanco especial. En realidad es un estado mental muy activo, un estado mental muy receptivo, listo para cualquier en momento atrapar una imagen sin tener, sin embargo, ninguna imagen preformada. Deberíamos subrayar que la falta de una pauta preformada o una idea preconcebida acerca de cómo debe representar cualquier cosa es esencial para esta condición de estar en blanco. Tal estado se asemeja al de una película virgen: parece inerte, pero es tan sensitiva que una fracción de segundo genera vida en ella (no sólo vida, sino una vida).

De algún modo este estar en blanco es como el lienzo en blanco de un pintor, si quisiéramos establecer una analogía e insistir en que el arte debe partir de la nada –si de un papel en blanco puede decirse que es nada-. Los poetas compran una resma de papel y se preguntan qué oscuridad ensombrecerá las hojas o que revelación iluminará la mente del lector. Pero la blancura del papel tiene muy poco que ver con su acción creativa. O para el escultor que siente de alguna manera la forma que yace en un bloque de piedra; la piedra no está en blanco, sino que es una envoltura que él sólo pude deshacer. En lo referente a su estado mental creativo, el fotógrafo probablemente está más emparentado con el escultor, que trabaja la piedra o la madera, que con el pintor. El fotógrafo siente que el mundo visual o que todo el mundo de los hechos se encuentra como escondido bajo envolturas. A menudo dobla una esquina diciéndose a sí mismo “aquí hay una foto”, y si no la consigue, se considera insensible. Puede buscarla día tras día hasta que la imagen se hace visible. Nada ha cambiado, excepto él mismo; aunque, para ser sinceros, algunas veces debe esperar hasta que la luz cree la magia.

Este estado mental es difícil de explicar a quien no lo haya experimentado. Sensible podría ser la palabra. Sensibilizado es quizá mejor, ya que no se trata sólo de un estado mental sensible, sino también el esfuerzo que realiza el fotógrafo para alcanzar esa condición. Receptividad es un buen término, si con ello queremos decir una apertura de la mente de la que se deduce comprensión y entendimiento de todo lo visible. El fotógrafo se proyecta en todo lo que ve, identificándose con todo para poder conocerlo y sentirlo mejor. Para alcanzar este estado en blanco es necesario un esfuerzo, quizá incluso una disciplina. Fuera de este estado, el fotógrafo ama y odia intensamente, y es consciente de las áreas de su indiferencia. Fotografía lo que ama porque lo ama, lo que odia como protesta; y puede dejar a un lado lo que le es indiferente o fotografiarlo con cualquier técnica y composición que domine.

 Si caminase a lo largo de una manzana en estado de sensibilización y armonía con todo lo que viese, se agotaría antes de llegar al final y acabaría la película mucho antes.

Tal vez dicho estado mental pueda compararse con una tetera a punto de hervir. Un poco más de calor (una imagen vista), y la superficie se vuelve turbulenta.

Posiblemente el trabajo creativo del fotógrafo consista en parte en alcanzar este estado mental, llegar a él no es de ninguna manera automático. Puede ayudar al uso constante de la misma cámara con propósitos serios, de tal modo que la asociación de la cámara con la mano conduzca siempre a fotografiar. Pero ciertamente, una vez se ha alcanzado dicho estado, lo que ocurre posteriormente resulta incontrolado, como parece que debería ser. Hemos oído hablar de cantos inspirados, poesía inspirada, es decir producciones hechas en determinados estados de intensidad o lucidez, cuando la persona se siente como instrumento de transmisión, como un estrecho canal entre dos océanos. (…)

Esto no es tanto una discusión académica sobre el estado mental creativo del fotógrafo, como un informe de primera mano. El científico que utiliza como instrumento la cámara probablemente no tendrá ni idea de lo que estoy hablando. Sin embargo, los fotógrafos que usan la cámara como un profundo medio de expresión, o aquellos que la utilizan para documentar situaciones humanas, habrán experimentado una sensación como si la cámara desapareciese en la unión entre sujeto y fotógrafo. Y lo que a mí ahora me impresiona es que ya no me preocupa probar que algunas fotografías puedan provocar lo mismo en la gente que la pintura (lo llaman arte). Simplemente pretendo producir en otros cierto grado de experiencia (¿deberíamos llamarla espiritualidad? ¿Identificación?) utilizando fotografías como estímulo. Y subrayo fotografías y no los objetos fotografiados. Mientras el fotógrafo no pueda eliminar el objeto (tampoco se trata de que quiera destruir la experiencia del mundo visual transformándola en un mundo inconsciente, y que sea ésa la fuente de su estímulo), quiere que la fotografía sea la fuente principal de sensaciones del espectador. Mientras no pueda borrar del espectador las implicaciones del sujeto, prefiere depender, para obtener dicho efecto, de las relaciones visuales que están presentes en la fotografía.

Así como hablábamos de un estado mental en blanco, acrítico mientras se fotografiaba, sensibilizado y preparado para cualquier cosa que pueda ocurrir, una vez el fotógrafo tiene las copias terminadas en sus manos, necesita hacer uso de la más consciente de las críticas. ¿Está lo que le pareció ver presente en la fotografía? Si no, ¿acaso la fotografía le abre los ojos a algo que no fue capaz de ver por sí mismo? Si es así, ¿se responsabilizará por el accidente y lo mostrará como algo propio, o lo considerará como un indicio que su subconsciente debe meditar? Luego se necesita estudiar más a fondo la reacción de los espectadores. ¿Acaso se reconocen en la imagen? ¿La entienden? ¿O suscita emociones totalmente dispares? En este sentido, ésta es la actividad que conduce al estado mental muy cerca del punto de ebullición: crítica consciente de las copias nuevas, reflexión sobre el efecto que producen dichas copias comparándolo con lo que el fotógrafo pretendía. Sin este cerco de trabajo analítico, el estado de sensibilidad receptiva, ese estar en blanco, no se producirá.

Equivalencia: tendencia perpetua. (1963)

Cuando hablamos de tendencias, hablamos de cambios, de cambios de estilo de aquí a allá, y de allá a aquí nuevamente. Las tendencias son periféricas, y sin embargo nos podemos perder si nuestra preocupación por ellas es ciega. Hay otra cosa que es central en los cambios, si tenemos que darle un nombre a esa centralidad, y creo que debemos. El nombre es “espíritu”. Cada moda, cada tendencia, cada estilo puede funcionar como una puerta de entrada a la significación central de la experiencia estética, si el individuo persiste. Esto es, a pesar de que sigamos tendencias o de que subamos al carro de los arribistas, siempre podemos salir y encaminarnos hacia la significación eterna, hacia el espíritu. En el mejor de los casos los estilos, las tendencias y las modas son sólo el ropaje de la raison d’être de cualquier arte. En el peor de los casos, modas, estilos y tendencias funcionan como trampas para el incauto. Voy hablar aquí de una tradición, de un concepto y de una disciplina, es decir, el concepto o teoría llamado “equivalencia” (concepto que Alfred Stieglitz forjó en los inicios de los años veinte y que practicó el resto de su vida), por la cual cualquier estilo, moda o tendencia puede ser trabajada a través, hacia algo más allá del conformismo de la competencia.

(…)A un nivel, el nivel grafico, la palabra equivalencia pertenece a la fotografía misma. Sin embargo esto no quiere decir que una fotografía que funcione como un equivalente deba poseer determinada apariencia, estilo, tendencia o moda. La equivalencia es una función, una experiencia, no una cosa. Cualquier fotografía, cualquiera que sea la fuente, puede funcionar como equivalente para alguien, en algún momento, en algún lugar. Si el espectador se da cuenta de que para él aquello que ve en la imagen corresponde a algo en su interior (esto es, si la fotografía refleja algo dentro suyo), entonces su experiencia posee cierto grado de equivalencia. (…)

En el nivel siguiente, la palabra equivalencia se relaciona con aquello que sucede en la mente del espectador cuando mira una fotografía que le produce un especial sentido de correspondencia con algo que él sabe de sí mismo. En un tercer nivel equivalencia se refiere a la experiencia interior de una persona cuando recuerda la imagen mental sin tener la fotografía a la vista. La imagen recordada también pertenece a la equivalencia sólo cuando un cierto sentimiento de correspondencia se encuentra presente. Recordamos imágenes que queremos recordar. Las razones por las cuales queremos recordar una imagen varían: por que simplemente nos gusta, o porque nos disgusta de tal manera que se vuelve compulsiva; o por que nos ha enseñado algo de nosotros mismos, o por que ha producido un ligero cambio en nosotros. Tal vez el lector podrá recordar una imagen luego de cuya visión no se ha sentido el mismo. 

(…)En literatura a este sentimiento específico asociado con una equivalencia se le llama poético, utilizando la palabra en un sentido muy amplio y universal. Al no tener un equivalente para la palabra poético en fotografía, sugerimos la palabra visión, queriendo significar con ella no sólo ver afuera, sino también ver adentro. El efecto que parece asociarse entonces con la equivalencia puede explicarse entonces: cuando se haya trascendido tanto el objeto como la manera de producirlo, por los medios que sea, aquello que parece ser materia se convierte en aquello que parece ser espíritu. (…)

La equivalencia, espejo de la psique

La tendencia eterna, tan vieja como el arte, parece haber aparecido en fotografía a comienzos de este siglo. Al principio fue algo más bien vago en las obras y escritos de los miembros de la Photo-Secession, alrededor de Stieglitz y Edward Steichen en Nueva York; luego fue nombrada, como dijimos, por Stieglitz, en los años veinte. La tendencia perenne todavía no es entendida por fotógrafos y críticos.

Parece haber una creciente preocupación por parte de los pensadores sobre fotografía en señalar que las personas se ven en las fotografías a pesar de ellas mismas. Nathan Lyons, director asistente de la Eastman House, pregunta a sus alumnos si ven lo que creen o creen lo que ven. Muchos de nosotros vemos lo que queremos ver, o cualquier otra cosa, pero no lo que en efecto está en la fotografía. Las cámaras son mucho más imparciales que sus dueños. En otras palabras, por medio de la proyección y de la empatía, atributos naturales del hombre, somos conducidos casi automáticamente a vernos en cada cosa que vemos. Por lo tanto, podemos decir que una fotografía funciona invariablemente como un espejo de , al menos, una parte del espectador. De las investigaciones sobre las respuestas de una audiencia a una fotografía, realizadas en el Instituto de Tecnología de Rochester, se desprende que muchas personas ven primero algo de ellas mismas y luego (a veces) al fotógrafo tras la cámara. Para el inocente y bien intencionado fotógrafo, la respuesta de un grupo de gente a sus fotografías es una experiencia descorazonadora. La audiencia ve lo que quiere ver y no lo que el fotógrafo cree que les está mostrando.

Toda fotografía produce un cierto reflejo, pero este reflejo es especialmente fuerte cuando las fotografías son hechas de una manera estilizada o no literal. El reflejo es también fuerte en casos en que la presencia del diseño iguala o sobrepasa la presencia del objeto fotografiado. Ésta es la apariencia usual de una fotografía creativa que incluye el diseño, su efecto expresivo y el registro de un objeto estético. Cuando el objeto fotografiado es transmitido de manera oscura, ambigua, imposible de identificar, la respuesta a la imagen toma un camino totalmente distinto.

Ya que muchos de nosotros no tenemos experiencias con imágenes similares (salvo cuando vemos un cuadro abstracto), trataremos de acceder a dichas fotografías como si fueran pinturas y buscaremos las mismas cualidades, valores relacionados y diseños del mundo pictórico y escultórico. Cuando no podemos identificar el objeto, nos olvidamos del hecho de que la imagen frente a nosotros puede ser un documento de alguna parte del mundo que no conocemos. Algunas veces el arte y la naturaleza se enlazan en dichas fotografías. Las llamamos abstracciones porque frecuentemente nos recuerdan a pinturas similares. En realidad son extracciones o aislamientos del mundo de las apariencias. Esto comporta un problema distinto a las fotografías con objeto ambiguo o no identificable. Nos hallamos con un enfrentamiento distinto al mundo de las apariencias, diferente al mismo tiempo al enfrentamiento de la pintura abstracta. Sin embargo, la tendencia usual al hacer al hacer el intento de acoger (más que rechazar) la ambigüedad del objeto en una fotografía es inventar un objeto. Lo que inventamos está dentro de nosotros. Cuando inventamos un objeto convertimos la fotografía en espejo de alguna parte de nosotros mismos.

Editores como Ralph Hattersey de Infinity Magazine, o yo mismo en Apertura, que señalamos que la gente se ve a sí misma cuando mira fotografías, estamos acostumbrados a recibir cartas y artículos de personas que insisten en no querer resolver rompecabezas. Nos preguntamos si tales personas tienen el instrumental emocional-intelectual mínimo para resolver alguno. O cartas de personas que dicen ser honestas, pero no quieren o no necesitan enfrascarse en una autobúsqueda. Por cuanto pueda revelar de la verdadera naturaleza del espectador, mencionaremos que morboso es la palabra más utilizada por éste durante el estudio consciente de una fotografía. Parecería que toda búsqueda del alma, que todo intento de descubrir lo que Platón afirmaba como “conócete a ti mismo” es considerado como una enfermedad por muchos norteamericanos contemporáneos. (…) Y hemos observado que las personas que exclaman “enfermo, enfermo”  no tienen ninguna imaginación. O bien, por razones oscuras para ellos mismos, deliberadamente se ciegan a experiencias visuales que pudieran perturbar su básica inseguridad. Por lo tanto, todas las posibilidades comunicativo-evocativas de la fotografía constituyen un mundo cerrado para ellos.

Algunos fotógrafos contemporáneos, como los ya mencionados (Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Paul Caponigro y otros), aceptan de buena gana el hecho de que las fotografías son espejos de algún estado o sentimiento interno del espectador. Ellos se incluyen como espectadores de sus propias fotografías y espectadores de los objetos que han seleccionado. Aceptan la verdad de que las fotografías actúan como catalizadores y, por lo tanto, son una etapa en el proceso y no un producto terminado. Recuerdan que una imagen mental en el cerebro de un espectador es más importante que la fotografía misma. (…)

Con la teoría de la equivalencia los fotógrafos tienen una forma de aprender como utilizar la cámara en relación con la mente, el corazón, las vísceras y el espíritu de los seres humanos. La tendencia perenne acaba de empezar en fotografía.

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